Mi chiamo Pietro D’Aprano, sono nato in Svizzera nel 1977. In quello stesso anno i miei genitori mi portano in Calabria, nel paese natale di mia madre. All’epoca mio padre stava iniziando ad avventurarsi nel meraviglioso mondo della fotografia;sarà proprio lui poco dopo a farmi sperimentare per la prima volta lo strumento fotografico, senza impormi mai limiti sul suo uso, ne sul come, ne sul quanto.
Qualche anno più tardi iniziai ad aiutare e ad assistere mio padre nei servizi fotografici per i matrimoni, rimanendo al suo fianco fino all’età di 24 anni, momento in cui iniziai a maturare il desiderio di un mio percorso individuale, basato su un differente genere fotografico: quello che osservavo sulle più importanti riviste di moda. Decisi così di trasferirmi a Milano per poter frequentare accademie di fotografia professionale e diversi master; passai lì gli anni della formazione. Rientrato in Calabria, pur amando il mio lavoro di allora (fotografavo per lo più matrimoni; lo faccio ancora oggi e devo dire che amo farlo) sentii il bisogno di nuove esperienze di crescita professionale, per cui nel 2004 decisi di tornare a Milano.
Ricordo bene che andai a bussare alla porta di un’agenzia che cercava ragazzi che sapessero usare bene Photoshop; competenza fondamentale che fortunatamente possedevo già. Ho sempre avuto confidenza con il mezzo informatico, ma è lì che nasce l’amore per il Mac e per il mondo Apple. Insomma, in breve tempo iniziai a lavorare come postproduttore per l’agenzia fotografica Showbit, che si occupava (e si occupa tutt’oggi) esclusivamente di sfilate di moda, mondo a me completamente sconosciuto fino a quel momento.
Fin dalla prima stagione mi portarono a Londra per la post-produzione delle sfilate in corso; in quell’occasione un fotografo che dovevo assistere nel lavoro di editing si ammalò e mi ritrovai scaraventato su una passerella a sostituirlo! Mi dissero “tieni! Le foto che facciamo le conosci, le hai viste sul monitor! La macchina fotografica è questa. Vai!”. Tuttora ricordo per filo e per segno, come fosse ieri, che attrezzatura mi diedero: una Nikon D2H con obbiettivo zoom 200-400 f4; inoltre, siccome i sensori delle macchine fotografiche all’epoca avevano una scarsa sensibilità ISO, mi diedero anche un flash Quantum X, con un enorme battery pack Lumedine e una grande parabola per allungare lo spettro di luce; era davvero potentissimo! (oltre che grosso e pesante). Mi ritrovai in mezzo ad un muro di fotografi (ai tempi ce n’erano davvero tanti); mi portavo dietro addirittura una scala da imbianchino per poterli sovrastare tutti in altezza. Devo essere sincero, ricordo che gli altri fotografi non vedevano di buon occhio il fatto che usassi il flash, ma il mio boss lo pretendeva per tenere alta la qualità delle immagini e devo dire che per le macchine che avevamo a i tempi, non aveva torto.
Il mio primo incarico, che poi è rimasto il mio ruolo per molti anni, è stato quello di scattare i dettagli del look: non semplicemente fotografare la modella mentre sfilava, ma fotografare tutto (quando dico tutto intendo proprio tutto) quello che la modella indossava, iniziando dall’abito intero e fotografando successivamente con estrema velocità e precisione tutti i dettagli dell’outfit, dalla testa a i piedi. Si scattavano le calze, la gonna, il pezzo sopra, i dettagli dell’abito, come ad esempio un ricamo sul pantalone, una tasca particolare; poi ancora la stampa della maglietta, le maniche e le cinte, le borse e gli zaini; infine le scarpe, le quali andavano scattate in una posizione perfetta di tre quarti, con il tacco poggiato. In un arco davvero breve di tempo si scattavano inoltre delle immagini molto strette del viso della modella, i cosiddetti “beauty”. Questi ultimi importantissimi per mostrare il make up scelto dal designer. Bisognava essere molto veloci e precisi, perché l’arco temporale in cui scattare tutte queste immagini era ed è ancora oggi davvero poco! In poche parole esclusivamente il tempo necessario alla modella per percorre la passerella. Tutto qui. Non vi era altra possibilità o altro lasso temporale. Quel che era perso era perso. Ricordo ancora il susseguirsi di riflessioni come: “sta andando via, finalmente… ma no, non è finita … l’acconciatura…? E se ci sono stampe sul retro del vestito…? E il tacco? Non hai notato che è un tacco scultura?” Ma intanto arrivava un’altra modella, quindi bisognava scegliere se continuare su quel retro o passare subito all’altra. Il tutto si ripeteva per trenta/quaranta modelle, che finiscono di sfilare in 15 minuti al massimo.
Finito lo show bisognava sbrigarsi a smontare l’attrezzatura, riporla nella cassa e correre fuori, perché un’ora dopo sarebbe iniziata un’altra sfilata in un altra parte della città. Il tutto iniziava alla 09:00 del mattino e terminava dopo le 21:00 di sera; per sette giorni su sette e in quattro città differenti. Una vera maratona! Da allora inizio tutte le stagioni delle sfilate Prêt-à-Porter donna con New York, per poi passare a Londra, successivamente Milano e infine la più dura e lunga di tutte: Parigi. Questo accade due volte l’anno per il Prêt-à-Porter donna, altre due volte invece – solo su Milano e Parigi – per le sfilate Uomo e Haute Couture. Durante le sfilate di Haute Couture si vedono sulle passerelle pezzi unici e magnifici, da lasciar senza parole.
La mia carriera professionale ebbe un importante svolta nel momento in cui diventai responsabile dell’agenzia in cui lavoravo; lì mi trovai a formare nuovi fotografi che negli anni si susseguirono uno dopo l’altro. In quegli anni iniziarono ad arrivare le prime pubblicazioni su importanti magazine come Vogue Spagna, Vogue Portogallo, Grazia Francia, Grazia Italia, Vogue Gioiello e tante altre riviste che purtroppo non esistono più, a causa della crisi dell’editoria. Nel 2015 arrivò un altra importante svolta della mia carriera: iniziai a collaborare con l’agenzia americana Getty Images, proprio grazie alla mia competenza nel mondo delle sfilate. Da quel momento in poi le mie foto hanno iniziato a comparire anche su giganti dell’editoria come il New York times, la Cnn, il New York Post, Bloomberg, il Thelegraph, ecc. Negli anni ho avuto collaborazioni dirette con brand come Gucci, Marni, Philipp Plein, Prada e Louis Vuitton; per quest’ultimo in particolare ho realizzato immagini in esclusiva durante le sfilate Resort a Palm Spring, Kyoto e Rio de Janeiro.
Come tutti i fotografi mi piacerebbe dire che il mezzo non è importante, ma nel mio settore non è così. La mia macchina è il mio terzo figlio (ne ho 2 in carne e ossa 🙂 ), il mio obiettivo deve essere perfetto. Sono strumenti di precisione ed è importante saper usare la lente giusta a seconda delle differenti situazioni, così come è importante far controllare periodicamente che siano perfettamente tarate.
La fotografia di moda in sfilata è molto più complicata di quello che sembra. I diversi show hanno delle situazioni di luce sempre diverse e spesso molto complesse; la macchina deve funzionare sempre bene, il fuoco deve funzionare perfettamente anche in condizioni di poca luce, i colori devono essere fedeli (è impensabile far risultare arancione un abito rosso). Spesso quando si entra nelle location dove avvengono gli show sei quasi al buio totale, a fatica capisci dove andare; devi trovare una posizione, montare l’attrezzatura al buio, alzare gli occhi alle americane (le impalcature che tengono le luci) e riconoscere le luci che hai intorno, per poter tarare la macchina correttamente. Nonostante questo, non è detto che appena la sfilata inizi le luci siano effettivamente quelle che hai immaginato! A quel punto devi essere capace di riconoscere velocemente le luci che hai davanti e nel giro di pochi secondi tarare nuovamente la macchina, correggendo la temperatura colore che avevi impostato. Il tutto deve avvenire nell’arco di cinque secondi al massimo, per non perdere il primo capo in arrivo. Racconto tutto questo per spiegare il know how da trasmettere ai miei colleghi che vogliono avvicinarsi a questo mondo.